¿COMO ANALIZAR UNA FOTOGRAFÍA?

¿COMO ANALIZAR UNA FOTOGRAFÍA?

El primer golpe de impresión es muy importante en toda imagen, el impacto, la capacidad de atraer y retener la mirada depende de esto. Si en los cinco primeros segundos la obra no ha despertado interés y retenido nuestra atención, disminuyen considerablemente las probabilidades de éxito de la misma.

Entender los conceptos básicos para analizar una fotografía nos ayuda a tener una mejor y mayor apreciación del arte que representa tomar una buena fotografía. Para aquellos que son fotógrafos, permite mejorar su técnica. No es tan difícil aprender a ver en que debemos enfocarnos en una fotografía y que hace a una fotografía más atractiva que otra.
Descifrar el significado de la fotografía. Preguntarte que crees que el fotógrafo puede haber intentado transmitir con esta foto en particular. Buscar significados ocultos, formas, objetos, símbolos o colores que puedan transmitir emociones. Estos elementos o en expresiones faciales, en aquellas fotografías que tengan individuos, para intentar captar las emociones que pueda transmitir: nerviosismo, enojo, amor, etc.

Prestar especial atención a la iluminación de la foto. ¿Fue la fotografía tomada en un estudio o al aire libre? Si fue tomada al aire libre, ¿en qué momento del día hubo sido tomada? A muchos fotógrafos les encanta tomar fotografías con la puesta del sol debido a los colores particulares y sombras que la naturaleza imprime sobre todo lo que la rodea. Siempre observa con detenimiento las formas y colores ya que pueden contener un mensaje oculto y más profundo dentro de la composición fotográfica.

Una de las técnicas que utilizan los fotógrafos es la regla de los tercios, donde el objetivo de foco de la captura suele estar alejado ligeramente del centro de la imagen.

Mirar cuando y donde fue tomada la fotografía. Muchos fotógrafos utilizan detalles sutiles que marcan el lugar o la época donde han sido tomadas. Por ejemplo una fotografía de un incendio podría mostrar su ubicación al leerse el nombre de la ciudad en el camión de bomberos. Para aquellas fotografías antiguas y no tanto, puede también ser importante el momento en que fueron tomadas, para comprender su significado, debido a hechos que pueden haber ocurrido en ese preciso momento en que fue tomada la foto.

No olvidar prestar atención al marco completo de la fotografía, al fondo así como a los detalles pequeños. Qué ropa usan las personas que aparecen en la fotografía, si las hay. Siempre presta atención a los gestos y el lenguaje no directo que puede transmitir la fotografía en sus objetos y personajes.

Leer su título y características y aléjate nuevamente para apreciarla una vez más. Esta vez observa desde una distancia mayor si no lo habías hecho anteriormente. Muchos detalles se pueden perder al no observar desde la distancia. Fundamentalmente para aquellas fotografías de gran tamaño o donde distintos objetos separados en distancia forman parte del significado general de la obra.

Formato:

Con formatos nos referimos a la medida del papel, cartulina,  donde esta estampada la imagen.

Dinámica o estática:

Si en la imagen vemos movimiento o en cambio es una imagen en la que sus elementos crean una sensación de estar totalmente quietos:

Peso visual:

Cuál es el punto de la imagen que vemos nada más mirarla, es decir el que nos llama más la atención. 

Equilibrio:

Cuando la imagen está desequilibrada tenemos la impresión de que esta se cae, en cambio cuando su composición presenta un perfecto equilibrio esa sensación no aparece.

Iconicidad:

Cuanto se asemeja a la realidad, es decir cuánto más fiel a la realidad es mayor grado de iconicidad tiene.

Tipografía:

En que parte de la imagen se encuentra la tipografía si la hay, además en un análisis más complejo se puede hablar de que tipografía se trata y que función realiza dentro de la imagen.

Color:

Cálidos o fríos

Iluminación:

Si la hay de donde proviene y que efecto crea en la imagen que analizamos. Ejemplo de iluminación natural:

Contraste:

Gran diferencia entre tonos

Que miramos en la imagen, que nos transmite, es una descripción más formal, en la que habrá que hacer una relación de todos los elementos tratados anteriormente de una manera más explícita y extensa.

2° CONFERENCIA MAGISTRAL

LA FOTO EN E.U.

Bastante peculiar el uso del lenguaje del Doctor Jorge Morales durante su conferencia, sin perder la objetividad de la información que nos compartía, interesante la forma en la que abordo el tema sobre la foto en América , con mayor presión en E.U. , ya que siempre se enseña o menciona el viejo Continente (Europa),  ya que América también contribuyo al desarrollo de la fotografía, comercial y artística.

En 1925 se introdujo en Alemania La cámara de 35 mm. Durante este periodo, los primeros utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz artificial. Pulverizados sobre un soporte que se prendía con un detonador, producían un destello de luz brillante y una nube de humo cáustico. A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio como fuente de luz. Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían transparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color. La película Kodacolor, introducida en 1941, contribuyó a dar impulso a su polarización.

Muchas innovaciones fotográficas, que aparecieron para su empleo en el campo militar durante la II Guerra Mundial, fueron puestas a disposición del público en general al final de la guerra. Entre éstas figuran nuevos productos químicos para el revelado y fijado de la película. El perfeccionamiento de los ordenadores facilitó, en gran medida, la resolución de problemas matemáticos en el diseño de las lentes. Aparecieron en el mercado muchas nuevas lentes que incluían las de tipo intercambiable para las cámaras de aquella época. En 1947, la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert Land, añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado. En el decenio siguiente los nuevos procedimientos industriales permitieron incrementar enormemente la velocidad y la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de estas últimas se elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro teórico de 5.000 ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez.

Esta década quedó también marcada por la introducción de dispositivos electrónicos, llamados amplificadores de luz, que intensificaban la luz débil y hacían posible registrar incluso la tenue luz procedente de estrellas muy lejanas. En la década de 1960 se introdujo la película Itek RS, que permitía utilizar productos químicos más baratos, como el zinc, el sulfuro de cadmio y el óxido de titanio, en lugar de los caros compuestos de plata. La nueva técnica llamada fotopolimerización hizo posible la producción de copias por contacto sobre papel normal no sensibilizado. Aplicaciones de la fotografía en la actualidad, la fotografía se ha desarrollado principalmente en tres sectores, al margen de otras consideraciones científicas o técnicas, se encuentran el campo del reportaje periodístico gráfico, cuya finalidad es captar el mundo exterior tal y como aparece ante nuestros ojos, y el de la publicidad. Por otro tenemos la fotografía como manifestación artística, con fines expresivos e interpretativos.

 El reportaje: comprende la fotografía documental y la de prensa gráfica, y por lo general no se suele manipula se emplean técnicas y procesos de revelado necesarios para captar una imagen bajo las condiciones existentes. No es objetiva, son fotos más reales e imparciales usadas como propaganda o con propósitos publicitarios; decisiones que, en la mayoría de los casos, no dependen del propio fotógrafo la fotografía artística: Es totalmente subjetiva, ya sea manipulada o no. En el primer caso, la luz, el enfoque y el ángulo de la cámara pueden manejarse para alterar la apariencia de la imagen; los procesos de revelado y positivo se modifican en ocasiones para lograr los resultados deseados; y la fotografía es susceptible de combinarse con otros elementos para conseguir una forma de composición artística, o para la experimentación estética.

Reportaje, puesto que capta la imagen que perciben el objetivo de la cámara y el ojo humano. Los primeros investigadores se limitaron a registrar lo que veían, pero en la década de 1960 se dividieron entre aquellos fotógrafos que seguían utilizando su cámara para captar imágenes sin ninguna intención y los que decidieron que la fotografía era una nueva forma de arte visual. La fotografía combina el uso de la imagen como documento y como testimonio; subgénero que se conoce con el nombre de fotografía social. Revista Life, en el año 1969 en la que podemos observar al astronauta Amstrong pisando la luna, se utilizaron carretes Kodak y una cámara Hasselblad.

Uno de los primeros fue el periodista o reportero gráfico francés Henri Cartier-Bresson, quien desde 1930 se dedicó a documentar lo que él llamaba el "instante decisivo". Sostenía que la dinámica de cualquier situación dada alcanza en algún momento su punto álgido, instante que se corresponde con la imagen más significativa. Cartier-Bresson, maestro en esta técnica, poseía la sensibilidad para apretar el disparador en el momento oportuno. Los avances tecnológicos de la década de los treinta, en concreto las mejoras en las cámaras pequeñas como la Laica, así como en la sensibilidad de la película, facilitaron aquella técnica instantánea. Brassaï. El corresponsal de guerra estadounidense Robert Capa comenzó su carrera con fotografías dela Guerra Civil española; al igual que Cartier-Bresson, plasmó tanto escenas bélicas como la situación de la población civil. Su fotografía de un miliciano herido dio la vuelta al mundo como testimonio del horror de la guerra. Capa también cubrió el desembarco de las tropas estadounidenses en Europa el día D durante la II Guerra Mundial y la guerra de Indochina, donde halló la muerte en 1954.

El español Agustín Centelles realizó una importante labor documental durante la guerra, tomando fotografías tanto del frente como de la retaguardia, entre ellas las de los bombardeos de la población civil. En México, Agustín Víctor Casasola recogió en su obra conmovedoras imágenes de la Revolución Mexicana y de Pancho Villa.  

Fotografía comercial y publicitaria La fotografía se ha utilizado para inspirar e influir opiniones políticas o sociales. Asimismo, desde la década de 1920 se ha hecho uso de ella para impulsar y dirigir el consumismo, y como un componente más de la publicidad. Los fotógrafos comerciales realizan fotos que se utilizan en anuncios o como ilustraciones en libros, revistas y otras publicaciones. Con el fin de que sus imágenes resulten atractivas utilizan una amplia gama de sofisticadas técnicas.

El impacto de esta clase de imágenes ha producido una fuerte influencia cultural. La fotografía comercial y publicitaria ha representado también un gran impulso en la industria gráfica junto con los avances en las técnicas de reproducción fotográfica de gran calidad. Destacaron en este campo Irving Penn y Cecil Beaton, fotógrafos de la alta sociedad; Richard Avedon, que consiguió fama como fotógrafo de moda, y Helmut Newton, controvertido fotógrafo de moda y retratista cuyos trabajos poseen con frecuencia un gran contenido erótico. Fotografía artística.

La fotografía como forma de arte alternativa Desdé la década de 1860 hasta la de 1890, la fotografía fue concebida como una alternativa al dibujo y a la pintura. La fotografía se contempló como una ayuda para el arte, como lo hicieron Hill yAdamson. En 1870 se aceptó la práctica de hacer posar a los sujetos en el estudio, para después retocar y matizar las fotos con el fin de que pareciese en pinturas. Durante la segunda mitad del siglo XIX el fotógrafo sueco Oscar Gustave Rejlander y el británico Henry Peach Robinson descubrieron el método de crear una copia a partir de varios negativos diferentes. Robinson, que comenzó su carrera como artista, basó sus imágenes descriptivas en apuntes iniciales a lápiz. Su influencia como fotógrafo artístico fue muy grande

La fotografía, no obstante, no se ha liberado por completo de la influencia de la pintura. Últimas tendencias Desdé 1950, han ido apareciendo diversas tendencias a medida que la distinción entre la fotografía documental y la artística se hacía menos clara. Algunos fotógrafos se inclinaron hacia la fotografía introspectiva mientras que otros lo hicieron hacia el paisajismo o el documento social. Reconocimiento de la fotografía como una forma del arte en la actualidad, la fotografía se ha afirmado como medio artístico. Se venden fotografías originales a los coleccionistas a través de galerías, y obras (así como elementos de equipos fotográficos) de interés histórico aparecen con regularidad en las subastas.

DESPUÉS DE LA FOTOGRAFÍA

DESPUÉS DE LA FOTOGRAFÍA

Reflexión

La fotografía digital nos ha llevado a sobrellevar nuestra propia existencia a una necesidad de registro. Registro de nuestras experiencias, pero a la vez manipulación o invención de las mismas.

Las ventajas que los medios digitales nos proporcionan son inmediatas, pero es necesario  encontrar un desarrollo razonable de esto, el cual no se ha logrado alcanzar en su totalidad. Al poder tener a la mano cualquier artefacto que nos permita en primera instancia congelar y apropiarse de un momento (de cualquier cámara) se nos es más fácil explotarlo, aún más, al poder tener las herramientas necesarias para poder manipular esta realidad y estos momentos, o incluso crearlos, caemos en un juego que nos convierte en creadores falsos. Ya sea un paisaje, un hecho histórico, o el color de cabello de una persona, todo puede ser intervenido.

La producción de imágenes se ha vuelto una norma de existencia y una manera de reconstruir la realidad, sin embargo no podemos decir que esté bien del todo.

Debido a la tecnología el mundo es manipulable, hemos convertido al mundo en obra de nuestras propias exigencias y la imagen misma al poseer credibilidad, se forma entorno al interés y la manipulación, pues una fotografía, siendo lo más parecido a nuestra realidad, puede ser parte de una realidad ficticia o una invención.

La  postproducción de las imágenes hubo provocado que el fotógrafo y el referente no importen del todo, ya que no se busca el momento, la situación, ahora se puede manipular sin necesidad de acudir a la locación.

En 1982 es donde comienza la era digital con el montaje de la portada de National Geographic, imagen manipulada, para captar mayor atención en el espectador y también posible comprador de dicha revista.

Distintos factores son los que influyeron en el montaje de la portada de mencionada revista, al no mostrar la basura, los vendedores ambulantes, y turista, el más importante, debió de ser la mercadotecnia para obtener mayor público expectante, por ende mayor venta de revistas.

Hoy en día, la era digital,  y todo lo que haya sido inventado ha superado sus características y posibilidades iniciales, poniendo como ejemplo: la cámara fotográfica. Ya que desgraciadamente, uno ya no espera el momento adecuado, sino que lo fabrica, e incluso ya no existe una relación imagen espectador, sino toda una simulación del acto en sí. Todo esto visto a los arquetipos sociales. Nuestra época está caracterizada por la velocidad en la que suceden las cosas.

Todo es rápido, todo es ágil y por lo mismo, se tiende a olvidar el proceso original de las cosas, como ha sucedido con la fotografía. La tecnología nos permite incluso crear escenas, estas perfectas escenas no podrán tener el mismo valor que una imagen real, que en verdad ha sucedido.

Algo muy importante en la existencia total del ser humano es la memoria, y la fotografía como vía para sustentarla ha llegado a ser, gracias a estas manipulaciones, dudable. Se recodará gracias a una imagen, ¿qué pasa si esta imagen es falsa?

Así se llega de nuevo al juego de la fotografía no sólo como cuestión artística, sino de la vida en sí. 

La ambigüedad surge de la creación de la fotografía digital, para representar de manera más sencilla tanto lo conceptual como lo percibido, permite una exploración con mayor intensidad y productiva de lo menos visible, incluido todo lo que en la superficie parece ser ilógico.

En el mundo cuántico, la distancia puede ser ilusoria, con medidas imposibles y estar en dos lugares simultáneamente. La fotografía digital nos permite imaginar diferentes cosmologías. Las implicaciones de cada fotografía varían entre los diferentes universos físicos y conceptuales.

La fotografía digital cuántica vuelve a incorporar algunas de las dudas que existieron en torno a las primeras fotos. No puede ser fijada cuando lo que se evoca es la indeterminación y no la credibilidad instantánea. En el futuro lo análogo y lo digital deben coexistir así como lo harán la fotografía y la hiperfotografía al complementar y retar sus tendencias y posibilidades entre si.

La tecnología no puede ni podrá detenerse, y como seres creativos cada vez será más difícil desarrollarnos como parte del todo en sí. En un mundo donde lo original es cada vez más difícil de crearse, es importante saber que lo análogo y lo digital deben coexistir.

TÉCNICAS ANTIGUAS DE IMPRESIÓN FOTOGRÁFICA

Técnicas antiguas de impresión fotográfica

EL DAGUERROTIPO

Fue desarrollado por Louis Daguerre en base a los conocimientos de J.N. Niepce. Los daguerrotipos se forman en una base (metal, cobre) de plata pulida. La imagen revelada está formada por partículas mercurio y plata. Para que la placa fuera sensible se exponía a vapores de yodo.

EL CALOTIPO

Creado por William Fox Talbot, basado en un papel sensibilizado con nitrato de plata y ácido gálico que tras ser expuesto a la luz era posteriormente revelado (sobre papel) con ambas sustancias químicas y fijado con hiposulfito sódico. Con este procedimiento se podía reproducir varias veces la imagen.

LA CIANOTIPIA

 Técnica en que el resultado es una fotografía de color azul. Sistema de impresión negativo/positivo. Durante el proceso no se utiliza ninguna clase de tinta para obtener la imagen, sino es la luz que al entrar en contacto con el papel sensibilizado a través de un negativo, forma la imagen por una reacción química. El proceso utiliza dos compuestos químicos: citrato de amonio y hierro (III) y ferricianuro de potasio.

EL FERROTIPO

A diferencia del daguerrotipo utiliza placa de hierro. La  placa se laqueaba con barniz japonés negro o café en lugar de plata. La placa de metal del ferrotipo se sensibilizaba con colodión y nitrato de plata antes de la exposición en la cámara. El ferrotipo, negativo en su formación química, aparecía como positivo debido a la placa negra. Esta técnica permite obtener fotos instantáneas.

LA AMBROTIPIA 

Es una técnica que en una placa de cristal crea una imagen, utilizando el método del coloidon húmedo, Imágenes mediante el revelado con sulfato de protóxido de hierro.

COMENTRIO DOCUMENTAl CARTIER BRESSON

CARTIER BRESSON

A lo largo de su obra rompió y cambio la fotografía, demostró que ya no era necesario un estudio, mucho menos un modelo para capturar imágenes, armónicas, dinámicas, estéticas, lo asombroso es que logra solo observando , siendo el y la cámara un solo ser que extiende su mirada, aunado a una fastuosa sensibilidad para esperar el momento indicado de disparas, tratando de vista, inteligencia, corazón , para con ello lograr resultados óptimos en cada captura, en cada fotografía, llevadas por una composición geométrica con la que adquieren mayor armonía.

Sus capturas rompen el silencio que en ocasione aparenta una fotografía fría, silenciosa, impávida, por el contrario las imágenes que bresson logra tomar, hablan por sí solas dejan atrás ese silencio atrás, te invitan a reflexionar, a aforizar como hubo sido aquel, aquella persona.

Fotógrafo directo incansable cazador de imágenes, curso el orbe en búsqueda de momentos que deseaba capturar, sino también compartirlos con el espectador, con su público, creando así uno foto ambigua, ya que captura la atención del especialista como del neófito. 

CONFERENCIA MAGISTRAL

Poco era el acercamiento con la disciplina de fotografía, con del pasar de los días y las diversas clases, capta más mi atención el tema fotográfico, sobre todo comprender que elementos, herramientas y quienes llevaron a que la fotografía  artística y no solo un simple testimonio o recuerdo familiar.

La conferencia fluyo bien con términos simples, poco utilizado el lenguaje técnico, con ello logrando una mayor atención y retención del alumnado, en ocasiones interrumpida por los compañeros que llegaban tarde o salían, a mi parecer fallo un poco la logística del evento, a pesar de ese pequeño detalle la conferencia me pareció enriquecedora.

Las diapositivas y la información hubo sido fácil de digerir, seguidos de ejemplos, comentarios y anécdotas curiosas sobre los personajes precursores de la fotografía, algo peculiar fue aquella duda que sembró en los alumnos, dando pequeñas pista, para con ellas buscar más información, complementar y reforzar el conocimiento adquirido en dicha ponencia. Lo cual me parece  muy didáctico, ya que rompe con el esquema de aquel profesor que solo estaba hablaba y hablaba y concluía su clase.

CONCLUSIONES DE LA PRIMERA PRACTICA

La práctica fue bastante productiva ya que gracias a ella logre comprender mejor el manejo de la cámara fotográfica, pude observar dónde y cómo funcionan el diafragma y el obturador, encontrar el “equilibrio” entre estos para con ello obtener una fotografía mucho más nítida.
De la misma manera comprendí la importancia y utilidad del tripie, pues con él se pueden lograr fotos fijas de mejor calidad que a mano libre por la velocidad el obturador.

 B30" 1/15s

B30" 1s

B15" 1/60 s

 B15" 4s 

 B4" 1/250 s

  B4" 1/15 s

 B2 1/500s

 B2 4s

 B4 1/1000

 B4 "bulbo"

 B8 1/2000

B8 /4s

Se anexaron las fotos más relevantes, es decir, las más y menos nítidas.